Le phénomène est complexe, mais l’essentiel est simple.
Le phénomène est complexe, l’essentiel est simple.
Depuis longtemps, je dessine des personnes en cherchant
à regarder la structure et l’essence
au-delà de l’apparence.
Pour représenter un sujet avec justesse, il faut d’abord prendre le temps de l’observer et de le comprendre. Cette manière d’observer, acquise à travers mon travail, est au cœur de mes cours.
Corps, mode, objet ou espace : le sujet change, l’essentiel reste le même. Plus que « quoi dessiner », c’est ce que l’on découvre et la façon de l’interpréter qui comptent. C’est ce processus que j’enseigne comme fondement de l’art et du design.
Les fondamentaux de l’art et du design ne sont pas une technique, mais une « manière de regarder ».
En étudiant l’art en France, j’ai appris à questionner un même sujet sous plusieurs angles et à l’interpréter dans mon propre langage visuel. Cette expérience reste aujourd’hui le socle de mon travail et de mon enseignement.
Je poursuis actuellement deux recherches : la reconstruction du corps humain en formes géométriques, et un travail à l’aquarelle qui exploite la fluidité de la matière. Ces deux approches réunissent un regard qui analyse la structure et une attitude qui répond à la sensation.
J’enseigne cette façon d’observer et d’interpréter, propre à l’artiste, comme fondement de l’art et du design.
Du corps humain à la mode, aux objets et à l’espace : analyser les proportions, les directions, les plans et les rapports d’espace qui constituent un sujet.
Décomposer les formes complexes en lignes et en géométries simples, puis les recomposer, pour développer un regard capable de saisir la structure de n’importe quel sujet.
L’aquarelle est un médium que l’on ne maîtrise jamais tout à fait. On observe les diffusions, les superpositions, les nuances et les traces, et l’on répond à ce qui naît du hasard.
Plutôt que de répéter une méthode fixe, on expérimente divers matériaux et techniques pour apprendre à choisir et à développer sa propre sensibilité dans l’image.
Que l’on dessine un corps, un vêtement ou un espace, les bases de l’observation sont les mêmes : trouver les proportions et les directions des formes, lire leurs relations,
et décider de ce que l’on garde et de ce que l’on retire.
Je montre le processus d’observation et d’interprétation que j’utilise dans mon propre travail, et je pose des questions. L’objectif du cours n’est pas d’apprendre une bonne réponse, mais de construire la capacité de regarder, de juger et de s’exprimer par soi-même.
Au-delà du bien dessiner, il s’agit de développer la capacité
de donner une forme visuelle à ce que l’on voit, ressent et pense.
Étudiant en art ou en design, designer en activité
ou créateur de sa propre marque : le besoin est le même.
Donner à sa pensée une forme que les autres peuvent voir.
Pour l’étudiant, ce sera un projet et un portfolio ; pour le designer, un produit et une image ; pour celui qui dirige une marque, l’identité visuelle qui lui est propre. La forme change, mais tout créateur traduit une pensée et une sensibilité invisibles dans son propre langage visuel.
C’est pourquoi je ne considère pas les fondamentaux comme une simple technique pour dessiner juste. Observer un sujet, en saisir la structure et les relations, décider soi-même de ce qui compte : c’est aussi un entraînement à construire l’ossature de sa pensée.
Comme on comprend l’ossature, les proportions, les directions et l’équilibre pour dessiner un corps, toute image repose sur une structure invisible.
Quoi regarder, quoi garder et quoi retirer, pourquoi cette forme et cette couleur : c’est en décidant soi-même que le résultat devient vraiment le sien.
En cours, on entraîne d’abord le regard à lire la structure à travers des sujets variés (corps, mode, objets, espaces), puis chacun y ajoute son observation et sa sensibilité pour développer sa propre expression.
Les fondamentaux ne sont pas des règles qui limitent la créativité,
mais l’ossature la plus solide pour mener sa pensée
jusqu’au bout.
Devant un même sujet, chacun voit quelque chose de différent.
C’est de cette différence que naît le langage visuel de chacun.
Mon cours ne suit ni réponse unique ni ordre imposé. On commence par parler de ce que vous voyez, de ce qui vous attire et de pourquoi vous voulez l’exprimer.
Sur cette base, on travaille les fondamentaux (structure, proportions, espace, valeurs) et, peu à peu, vous apprenez à transformer vous-même vos idées et vos sensations en images.
Les mêmes bases s’utilisent différemment selon les personnes, parce que chacun a son regard, son expérience et ce qu’il souhaite créer.
Pour celui qui commence, ce sera apprendre à regarder et à comprendre la structure ; pour l’étudiant en art ou en design, développer son observation et sa pensée ; pour celui qui crée déjà, sortir de ses habitudes et rendre son langage visuel plus net.
C’est aussi pour cela que je tiens au cours particulier en 1:1. Le regard et l’expérience de chacun, les bases dont il a besoin et la direction qu’il souhaite prendre
sont différents.
Le cours n’est pas seulement un temps de production. Plus que terminer un dessin, l’important est d’arriver à juger soi-même pourquoi on a regardé ainsi, pourquoi on a choisi cette ligne et cette couleur.
En cours, on questionne, on observe, on comprend la structure,
on choisit et on exprime, puis on recommence.
Ce que je veux transmettre, ce n’est pas la manière de réaliser un dessin, mais la capacité de regarder, de penser et de s’exprimer par soi-même, quoi que vous créiez ensuite.
Les cours ont lieu en 1:1, sur rendez-vous, dans mon atelier privé près de la station Sinsa, à Séoul.
Après un court entretien pour préciser vos objectifs et votre direction, je vous propose un parcours de cours personnalisé. Laissez-moi un message ci-dessous et je vous répondrai rapidement.
Là où le regard de chacun devient son propre langage visuel.